ANIVERSARIOS: CURIOSIDADES, INSPIRACIÓN Y ORIGEN DE LOS 14 TEMAS DEL DEBUT DE THE CLASH

Grabado durante tres fines de semana (y por solo £4,000) en pleno invierno en el Londres punkizado de 1977, no hay un álbum que haya capturado con mayor precisión ese momento en el tiempo, imbuido de la energía esperanzadora de un nuevo movimiento pero rechazado por el mundo que lo rodea, que este debut discográfico de The Clash. «The Clash» (el álbum) mostró la esencia y la naturaleza del movimiento punk, la imperiosa necesidad de creatividad y la negativa a rodearse de los restos de la vieja guardia. Permitió que floreciera el talento lírico rebelde de Joe Strummer y al mismo tiempo mostró la destreza musical de Mick Jones. Si bien el grupo pronto conquistaría el mundo, utilizando su plataforma de popularidad para exponer los males mundiales, este álbum tuvo sus raíces en la iconografía británica: fue por el pueblo y para el pueblo.

El álbum, producido por Mickey Foote, fue concebido mayormente en el piso 18 de un rascacielos municipal en Harrow Road de Londres, en un piso alquilado por la abuela de Mick Jones, quien iba con frecuencia a ver sus conciertos en vivo. A lo largo de sus 35 minutos, se divide entre la necesidad desesperada de resaltar la difícil situación de los jóvenes de la clase trabajadora y la negativa (y rebeldía) para aceptar ese papel como su suerte definitiva. En The Clash -la banda, que además de los mencionados incluía al bajista Paul Simonon y al batero Terry Chimes, este último en su primera y única aparición en estudio tras lo que sería reemplazado por Topper Headon– estaban decididos a luchar contra cualquier autoridad que pudieran encontrar, y el resultado fue una mezcla de guitarras trepidantes y lirismo potente que sacudió a las radios e inflamó las almas. Por supuesto, el álbum está repleto de canciones que se convertirían en clásicos del grupo; 14 temas de momentos temibles y poderosos de juventud desperdiciada y revolución desenfrenada hacen de «The Clash» posiblemente el mejor disco que jamás haya producido el género; sin duda, el más puro. A modo de homenaje y recuerdo hoy 8 de abril, día de su 47° aniversario, en MADHOUSE los invitamos a repasar los orígenes, inspiración y curiosidades detrás de cada canción… y a volver a escuchar esta joya a todo volumen.

«JANIE JONES». Esta fue una de las primeras canciones escritas por The Clash, poco después de que Joe Strummer se uniera para formar inicialmente la banda en 1976. La melodía y el coro aparentemente le llegaron al guitarrista Mick Jones mientras viajaba en el autobús 31 desde Harrow Road hasta Chalk Farm en Camden, Londres, y Strummer luego ayudó con el resto de la letra.

• El título proviene del nombre de Janie Jones, una cantante inglesa de cabaret y de pop music en los 50s y 60s que generó controversia por estar involucrada en el escándalo de payola de la BBC en la década de 1960. Aclaremos que “payola” es el término que refiere al acto de presionar a una empresa, estación de radio o locutor, por medio de sobornos para promover a un grupo musical o artista, aunque en el caso de la Jones la moneda utilizada fue el sexo (¡!). Sus otros escándalos incluyen asistir al estreno de una película en 1964 en topless (!!) y ser arrestada y encarcelada en 1973 por dirigir un burdel y pervertir el curso de la justicia al amenazar a testigos (!!!). También tuvo una carrera pop parcial, incluido el tema «Witches’ Brew» que alcanzó el puesto 46 en la lista de singles del Reino Unido.

• La Jones salió de prisión en 1977 y según la banda, usaron su nombre porque alguien como ella parecería increíblemente glamoroso para quien trabaja en un aburrido trabajo de oficina. Posteriormente se hizo amiga de la banda y, junto con The Clash and the Blockheads (acreditados conjuntamente como The Lash), lanzó otro single en 1982 titulado «House of the Ju-Ju Queen», que también fue producido por Joe Strummer.

• Musicalmente la canción es muy simple, destacándose la línea de bajo de una nota por parte de Paul Simonon (que aún estaba aprendiendo a tocar su instrumento) en los estribillos. La letra trata sobre la vida laboral y la lucha por intentar encontrar algo de diversión en un aburrido trabajo de oficina. El protagonista intenta divertirse reuniéndose con una amiga fuera de horario («Y él sabe que cuando llegue la noche, cuando termine su trabajo, irá a buscarte en su auto»), y también analiza cómo hay que bancarse un trabajo aburrido y un jefe abusivo («Y en la bandeja de entrada hay mucho trabajo, pero el jefe de la empresa siempre piensa que zafa») para ganarse la vida («Pero es como todos, tiene un Ford Cortina que simplemente no funciona sin combustible»). También incluye el primero de muchos conceptos antisistema en las canciones de Clash («Esta vez realmente se lo va a decir al jefe, le hará saber exactamente cómo se siente»).

• La canción es notable en el repertorio de The Clash porque es la única que tocaron desde el primer show hasta el último. Ojo al piojo: de todos modos, la banda hizo muchísimos conciertos y tenía la política de rotar su setlist noche tras noche, por lo que es difícil decir que este tema siempre se tocó, pero ciertamente aparece en el 99% de sus shows y giras, desde sus primeras presentaciones en 1976 hasta sus shows de despedida en 1985.

«REMOTE CONTROL”: Escrita luego del desastroso Anarchy Tour cuyos shows, tras el escándalo televisivo de los Sex Pistols (léanlo aquí en MADHOUSE, amigos y amigas) fueron en su mayoría cancelados en el último minuto, «Remote Control» fue un alegato contra la opresión y conformidad y fue grabado con cierto entusiasmo debido a sus cambios de compás e ideas musicales más ambiciosas, incluido un riff de introducción/salida tomado de un cantito tradicional del fútbol inglés: «You’re gonna get your fuckin’ head kicked in» («Te van a patear tu puta cabeza»).

• El baterista original Terry Chimes recordó entre risas que «Joe dijo ‘¡Mick ha escrito una miniópera!'». La canción es un ataque punzante contra quienes ocupan altos cargos de poder, un tema que sería retomado muchas veces en The Clash, sobre todo con «Clampdown».

• La principal inspiración fue la retirada del apoyo de la compañía discográfica y la cancelación de conciertos en el Anarchy Tour; de hecho, la frase «Tuvieron una reunión en Mayfair» se refiere a una reunión específica de accionistas del sello EMI en diciembre de 1976, donde se retiró todo el apoyo financiero para la gira. Esta fue una de las primeras canciones en mencionar la escena punk por su nombre: «Creen que sos un inútil, y así lo sos – ¡puuuuuunnnnnk!», aunque también contiene fuertes referencias a la ciencia ficción, incluido un guiño a la serie televisiva de la BBC, “Doctor Who” («¡Represión, debe ser un Dalek!»).

• Si bien todos en la banda estaban orgullosos de este tema, no tardaron en repudiarlo cuando fue lanzado -sin su permiso- como single en mayo de 1977: al parecer, en The Clash querían que fuera no esta sino otra canción la que siguiera los pasos del primer single, “White Riot”, más precisamente «Janie Jones». Esto fue porque «Remote Control» es una de las canciones más suaves y menos agresivas del álbum debut de The Clash, detalle que explica la decisión del sello de editarla sin el consentimiento de la banda.

• BONUS: Después de 1977, solo se tocó una vez más en julio de 1979. También ha sido completamente ignorada en los compilados y es la única pista del primer álbum que no aparece en “Clash On Broadway”.

«I’M SO BORED WITH THE USA»: Originalmente, la canción se llamaba «I’m So Bored With You» (“Estoy tan aburrido de vos”) y fue otra que Mick Jones había escrito antes de unirse a The Clash. En el primer encuentro de Jones con Strummer después de que este último se uniera a la banda, le hizo escuchar varias de sus canciones, y cuando llegó «I’m So Bored With You», Strummer escuchó mal y entendió «I’m So Bored with USA» (estoy tan aburrido de los EE.UU.), tras lo cual pensó que sería una gran canción sobre los males sociales de Estados Unidos; de inmediato comenzó a escribir una letra nueva antes de que Jones pudiera explicarle que en realidad el tema hablaba de su relación intermitente en ese momento.

• Este tema al parecer fue un trabajo en progreso, ya que en sus shows de agosto y septiembre de 1976 la canción estaba en su forma original con «You» y versaba sobre el final de una relación, pero en octubre se había transformado completamente en «Estoy tan aburrido de Estados Unidos»… La letra es una diatriba punzante sobre la exportación de la cultura estadounidense a todo el mundo, ya sea por la fuerza («El dólar yanqui habla con los dictadores del mundo; de hecho, dan órdenes y no pueden permitirse el lujo de perder una palabra»), o a través de los medios («Los detectives yanquis siempre están en la televisión, porque los asesinos en EE.UU. trabajan siete días a la semana»), y abogan por recuperar la cultura del dominio estadounidense («No importan las barras y las estrellas, imprimamos las cintas de Watergate, saludo a la New Wave y espero que nadie se escape»). Con la referencia a «New Wave» es la primera vez que alguien usó ese término alternativo para describir el punk rock en una canción, y tenía más sentido en una versión anterior de la letra, donde una frase hacía referencia a la escena surfer de la costa oeste. En las improvisaciones líricas finales, Strummer también menciona a las series estadounidenses “Starsky & Hutch” y “Kojak”, que le gustaban a todos en el grupo.

• BONUS: Esta canción tuvo sus matices al ser tocada en vivo.  En Inglaterra fue un elemento básico de los conciertos de 1976 a 1978, con revisiones ocasionales a partir de entonces. Sin embargo, en las giras americanas se utilizaba regularmente como telón de fondo, para, en palabras de Strummer, «descubrir si tenían sentido del humor». En la primera gira de 1979, el tema a menudo fue abucheado por el público más conservador, pero la mayoría de la gente realmente entendió el chiste y, a partir de entonces, el público estadounidense lo cantó con entusiasmo ante la banda, pareciendo sugerir que ellos también estaban cansados de las exportaciones culturales de EE.UU. y del dominio cultural opresivo en todo el mundo.

«WHITE RIOT»: En esta canción -de la que oportunamente hicimos este informe en MADHOUSE- Strummer expresa su opinión de que los jóvenes blancos deberían estar indignados por su gobierno opresivo tal como lo estaban los negros, y deberían manifestarse mediante la acción directa y la protesta. Dejó en claro que la canción (y el grupo) de ninguna manera abogaba por la violencia y que ciertamente no era racista. En sus propias palabras vertidas a NME: «Lo único que decimos sobre los negros es que tienen sus problemas y están preparados para afrontarlos. Pero los blancos simplemente no están preparados para afrontarlos; todo es demasiado cómodo. Tienen estéreos, drogas, equipos de alta fidelidad, autos. Los negros pobres y los blancos pobres están en el mismo barco».

• Esta canción se inspiró en los disturbios de Notting Hill en el oeste de Londres, en particular los acontecidos el 30 de agosto de 1976. El carnaval (festival) era una celebración de la cultura caribeña, pero se tornó violento cuando la policía fue atacada después de arrestar a un carterista: más de 100 agentes fueron hospitalizados junto con unos 60 manifestantes. Gran parte de la tensión se produjo por motivos raciales, con jóvenes negros peleando con oficiales blancos, aunque también estuvieron involucradas pandillas de jóvenes blancos. Joe Strummer, Paul Simonon y su manager Bernie Rhodes estaban en el evento y quedaron atrapados en el caos; tras fallar en su intento de prenderle fuego a un auto, Strummer hizo lo que mejor sabía y escribió una canción inspirada en esta revuelta.

• La banda incluyó una foto tomada durante aquella agitada tarde -que muestra a la policía corriendo- en la contratapa del álbum; por su parte, la tapa del compilado «Black Market Clash» muestra a un hombre con sombrero alto enfrentandose a la policía y ese hombre no es otro que Don Letts, famoso cineasta, deejay y músico inglés.

• Lanzado en el Reino Unido por CBS Records el 26 de marzo de 1977, «White Riot» fue el primer sencillo de The Clash. Se convirtió en una de sus canciones emblemáticas y fue un indicio de lo que vendría. The Clash pasó los siguientes ocho años hablando a favor de la clase baja y en contra del establishment. Los objetivos de su desprecio incluían al gobierno británico y también a su compañía discográfica.

• Como era de esperar, esta canción causó algunos problemas durante los conciertos de Clash en momentos en que los miembros de la audiencia, a menudo punks políticos, la usaban como excusa para causar problemas. Si debían tocarlo o no era a veces un motivo de tensión en la banda. En un concierto en 1979, Joe Strummer estaba decidido a tocar la canción como bis, pero Mick Jones se opuso con vehemencia, diciendo que estaba harto de la canción y quería dejarla atrás. La discusión se volvió acalorada y Strummer, por única vez en la historia de la banda, golpeó a Jones, lo que llevó a una situación extraña durante el bis en la que Jones tenía vendados el ojo y la nariz mientras tocaba; de hecho dejó de tocar a la mitad del tema y abandonó el escenario. Abundan otras historias de promotores que pedían a la banda que no tocara la canción por miedo a que la gente destrozara el lugar: por supuesto The Clash, siendo los agitadores por naturaleza que eran, la tocaban de todos modos.

• BONUS: Mick Jones y Joe Strummer tocaron juntos esta canción por última vez en noviembre de 2002. Jones estaba entre el público de uno de los shows individuales de Strummer y subió al escenario para unirse a él. Strummer normalmente no tocaba “White Riot”, pero se volvió hacia Jones y le dijo: «Este está en ‘La’, sabés». Strummer murió de un infarto un mes después.

«HATE AND WAR”: En una entrevista de 2002 con la revista Uncut, Joe Strummer explicó que el título de esta canción -«Odio y guerra», en castellano- era una inversión directa de la frase hippie «Amor y paz», hecha para ilustrar el contraste entre el optimismo y la esperanza de finales de los 60s y la sombría realidad de Inglaterra en los 70a. «Fue una buena explosión de punk rock tener una canción llamada así», dijo.

• Strummer también recordó que «escribí la letra en una fábrica de helados abandonada donde yo era un okupa. Estaba justo detrás de Harrow Road en Foscote Mews. La escribí en la oscuridad a la luz de las velas y al día siguiente la llevé a los ensayos y Mick lew sumó la melodía”.

• La letra es una airada crítica de la vida cotidiana de la clase trabajadora en Londres y un llamado a endurecerse si se quiere sobrevivir en las durísimas calles («Tengo la voluntad de sobrevivir, hago trampa si no puedo ganar. Si alguien me deja afuera, le doy una patada en la espalda, y si recibo agresión, se la devuelvo dos veces»). También utiliza de manera controvertida términos racistas como «wops» (para referirse a los italianos) y «podridos griegos»; si bien puede sonar chocante, la intención es reflejar la jerga realista y cruda del Londres urbano en una época en la que, lamentablemente, ese lenguaje -y el racismo- era un triste lugar común.

«WHAT’S MY NAME»: Este es el único crédito que el guitarrista original Keith Levene (QEPD – lean acerca de él en MADHOUSE) obtuvo de The Clash en el primer álbum; hay que decir que el rubio intérprete afirmó «tener algo que ver» en cada canción, pero esto es cuestionado por el resto de la banda. Joe Strummer siempre afirmó que Levene estaba demasiado ocupado consumiendo drogas (heroína y speed, supuestamente) para poder ensayar y de ahí su posterior despido.

• Volviendo a Levene, este asegura haber escrito la mayor parte de la canción junto a Mick Jones en mayo de 1976 e incluso se la mostró al cantante de Sex Pistols, John Lydon (con quien más tarde formaría la banda post-punk Public Image Ltd.). Strummer, sin embargo, recuerda que «las únicas partes que tenía la canción cuando apareció era: ‘¿Cómo me llamo?’ Eso es todo lo que era la canción. Puse algunos versos para mantener los estribillos separados».

• A juzgar por los primeros piratas en vivo desde 1976 hasta mediados de 1977, la letra aún se estaba elaborando (una de las primeras versiones incluía un coro escalofriante sobre irrumpir en una casa con una navaja). Finalmente, la versión final de «What’s My Name», cuyo tercer verso es de Jones y relata un incidente que le sucedió a su padre en una casa de apuestas, resulta una mirada brutal al rechazo y la violencia doméstica («Papá se enojó, así que me sopapeó») y la despersonalización hasta tal punto que el narrador literalmente pregunta «¿cómo me llamo?» – ni siquiera puede unirse a un club de ping-pong («Fui a unirme al club de ping-pong, el cartel en la puerta decía ‘todo lleno'»).

• La canción permaneció en los shows de The Clash desde 1976 hasta alrededor de 1980, antes de ser revivida con la alineación reestructurada en 1984 con Paul Simonon inexplicablemente ascendido a voz principal.

• BONUS: La versión del compilado en vivo “From Here to Eternity” fue tomada de un show del grupo en la zona londinense de Camden en julio de 1978 y es la misma que se ve en la película “Rude Boy”, con extensas sobregrabaciones de la toma original.

«DENY»: Fue escrita originalmente por Mick Jones para London SS, la banda que integraba justo antes de que Joe Strummer se uniera para formar The Clash. Originalmente el tema parece haber tratado sobre la negación en todas sus formas, y podría haber estado dirigido a la entonces novia de Jones, con quien tenía una relación conflictiva; también inspiró «I’m So Bored With You», la versión original de «I’m So Bored With The USA».

• Keith Levene, que se fue antes de que el grupo grabara su primer álbum, consideraba que «Deny» (Negar, en castellano) se refería a él, aunque es poco probable ya que fue escrito y tocado en vivo mientras todavía estaba en el grupo. Sin embargo, es obvio que la canción habla de un un drogadicto y el narrador tiene un grave problema con esto. Jones declaró en varias entrevistas que Chrissie Hynde de Pretenders «probablemente ayudó con el final». También se especula que Jones se inspiró en un tema de los Sex Pistols, «Liar», que habría escuchado del bajista Glen Matlock.

• Como fuere, «Deny» fue grabado en estilo semi-en vivo en los estudios Whitfield, durante las mismas sesiones que produjeron el single de «White Riot» y en la grabación se puede escuchar a Joe Strummer improvisando una referencia a un «comic 12 p», que era el precio de un cómic de Marvel o DC en 1977. La canción no sobrevivió por mucho tiempo en el set en vivo de The Clash: se tocó desde sus primeros conciertos en 1976, a menudo como tema de apertura, y sobrevivió hasta la gira de junio de 1977 antes de ser reemplazada por material más nuevo.

«LONDON’S BURNING»: Este tema, llamado así por la popular canción infantil sobre el Gran Incendio de Londres en 1666) trata principalmente sobre la droga más popular en la escena punk en ese momento: el sulfato de anfetamina, también conocido como speed («No puedo pensar en una mejor manera de pasar la noche, que andar a toda velocidad bajo las luces amarillas»). Aún así, poco le duró el entusiasmo a Strummer, que al tiempo declaró que «Decidí rápidamente que la subida no valía el bajón».

• También es una de las canciones más abiertas de The Clash sobre la alienación urbana, y aunque ellos y otras bandas punk de la primera generación se volvieron estereotipadas por escribir canciones sobre monoblocks, baldíos y basureros del centro de la ciudad, esta es en realidad la única canción de Clash en su primer álbum que hace referencia directa a esas construcciones masivas («El viento aúlla a través de los bloques vacíos buscando un hogar, corro a través de la piedra vacía porque estoy completamente solo»).

• Grabado por primera vez en CBS Studios London para las sesiones de su álbum debut, el solo de guitarra improvisado de Mick Jones cerca del final de la canción iba a contramano de la actitud minimalista del punk rock (que a menudo se oponía a los solos largos y complejos). Una versión alternativa, tomada de la sesión “en vivo” en Dunstable para la película promocional «White Riot» en abril de 1977 (en vivo porque estaban tocando en un estudio ante una pequeña audiencia de periodistas) fue lanzada como cara B del controvertido single «Remote Control» en mayo de 1977. Otra versión muy enérgica grabada en el festival Rock Against Racism en abril de aquel año aparecería más tarde (con algunas sobregrabaciones de estudio) en la película “Rude Boy” y en el álbum recopilatorio en vivo «From Here to Eternity».

• BONUS: Esta canción se convirtió en una de las favoritas en vivo y permaneció en su set desde su primera presentación en la famosa sala Screen on the Green en abril de 1976 (su tercer show). Strummer solía cambiar la letra para que coincidiera con la ciudad donde actuaban; por ejemplo, la primera vez fue durante un concierto en Birmingham a finales de 1976, cuando la canción se convirtió en «Birmingham’s Burning». Esta improvisación alcanzó su punto máximo en un concierto en París en 1977, donde se convirtió en «Paris Is Singing» y casi toda la letra original fue ignorada en favor de una improvisación del momento, incluida una referencia a la banda punk local The Stinky Toys.

«CAREER OPPORTUNITIES» La letra critica la cultura de demonizar a los desempleados y la cultura de la falta de esperanza para aquellos atrapados en trabajos de baja categoría y sin futuro, como si eso fuera lo mejor que jamás conseguirán en la vida («Me ofrecieron la oficina, me ofrecieron la tienda/ Dijeron que mejor tomara todo lo que tenían (…) Las oportunidades profesionales son las que nunca llaman a la puerta/ Cada trabajo que te ofrecen es para mantenerte a raya»).

• En una entrevista con Caroline Coon en 1976, Mick Jones se opuso a la sugerencia de que alguien tuviera que hacer los trabajos sucios y serviles, señalando que la tecnología y las máquinas habían avanzado hasta el punto en que muchos trabajos manuales en las fábricas podían realizarse con maquinaria: «Hay un estigma social asociado a estar desempleado. Como dice todos los días The Sun (famoso diario británico), los desempleados son ‘los saqueadores de la seguridad social’… vas al norte y ves a los pibes que se avergüenzan de no poder conseguir un trabajo”. El título se tomó de un titular del diario Evening Standard, el mismo método que la banda (y el bajista Paul Simonon en particular) usó para encontrar su nombre.

• Se dice que parte de la letra (en particular la frase ‘No abriré cartas bomba para vos’) se inspiró en las experiencias de Jones en un empleo part time años antes de formar The Clash, donde trabajó como asistente administrativo en una oficina de beneficios del DHSS (N. Departamento de salud y seguridad social en Inglaterra). En ese momento, los edificios gubernamentales estaban en alerta roja, y la organización terrorista IRA utilizaba cartas bomba como armas. Entonces, como nadie quería abrir el correo en la oficina de beneficios, sus compañeros de trabajo hicieron que Jones, como el miembro más joven del personal, abriera y revisara todo el correo. El guitarrista recordó sus experiencias en un reportaje de 1977, diciendo: «La mayoría de las cartas que recibe la seguridad social son de gente diciendo que sus vecinos no necesitan el dinero. Todo funciona a base de despecho».

• Según Mick Jones, la canción fue escrita en media hora en su sala de ensayo, incuyendo una discusión sobre una parte de la letra sobre las pensiones, que Paul Simonon se negó a cantar y finalmente fue eliminada de la versión final. Esta fue una de las muchas primeras pistas que The Clash grabó para sus primeros demos antes de firmar con CBS (incluida una versión grabada para Polydor bajo el mando del futuro productor de «London Calling», Guy Stevens, que se incluye en la recopilación «Clash On Broadway»), antes de grabarse nuevamente en Whitfield Studio 3 para su álbum debut.

«CHEAT»: Muchos fans estadounidenses de The Clash no tuvieron la oportunidad de escuchar esta canción: cuando el primer álbum homónimo de The Clash se relanzó en Estados Unidos en 1979, se editó la lista de temas y «Cheat» fue una de las que quedó afuera.

• La letra es en gran medida una celebración de la floreciente estética punk de la que The Clash fueron pioneros: celebrar el inconformismo y romper las reglas: «No sé qué se puede hacer al respecto./ Si jugás el juego no ganás nada/ Descubrí por vos mismo lo que es ser un buenito”… Aparentemente se inspiró en King Mob, un grupo disidente situacionalista activo en Londres en la década de 1970. El primer verso se relaciona con el uso de drogas y el speed en particular, como se deduce por la frase «Me quedo en silencio cuando estoy drogado», un efecto secundario común del uso de speed.

• Con todo, Strummer consideraba a esta una canción de relleno y la escribió justo antes de que la banda entrara al estudio para grabar el álbum. A pesar de esto, se le puso onda al grabarla, como el pedal phaser en las guitarras. «A Simon Humphrey (el ingeniero de grabación de The Clash) se le ocurrió eso, alguien dijo algo sobre el phaser y dijo ‘pongámoslo y veamos cómo suena'», señaló el baterista Terry Chimes en una entrevista de 2002.

• Se supone -incorrectamente -que esta es la única canción del primer álbum de Clash que la banda nunca tocó en vivo pero se incluyó regularmente en sus giras White Riot y Get Out of Control en 1977/78.

• BONUS: «Cheat» fue versionada a finales de la década de 1990 por la banda estadounidense Rancid, fans de The Clash de toda la vida, para el álbum tributo “Burning London”.

«PROTEX BLUE»: Una de las pocas canciones escritas justo antes de que Strummer se uniera a The Clash (cuando el grupo era conocido como London SS). Mick Jones la tenía ya escrita incluso antes de conocer a Paul Simonon. «(Protex) era LA marca en todas las máquinas de condones de los pubs, era un tema válido para una canción», señaló Jones con ironía.

• La letra está llena de insinuaciones burlonas y trata sobre un hombre que busca un condón en el baño de un pub («El dinero en mi bolsillo lo pondrá en la ranura, abrí el paquete y mirá qué tipo tengo») y reflexiona sobre qué usarlo exactamente, porque la implicación en el verso final es que puede ser para sus propios propósitos y no para usarlo con una mujer («No necesito ningún movimiento de piel, quiero estar solo»).

• «Protex Blue» ocupó una posición notable en el repertorio de The Clash al ser la canción de apertura en su primer show. Después de esto, nunca tuvo una presencia consistente en el set en vivo de la banda, y apareció esporádicamente a lo largo de los años, incluso con un regreso a su set en la gira “16 Tons” en 1980 con una reorganización radical que incluía una nueva sección central.

«POLICE & THIEVES»: Este es un cover del tema escrito por el artista de reggae Junior Murvin, quien la grabó en 1976. En ese momento, el reggae era la música de la oprimida población jamaicana de Gran Bretaña; ese año la canción original se convirtió en un himno en Inglaterra luego de los violentos sucesos en Notting Hill.

• Joe Strummer y Paul Simonon estuvieron involucrados en los disturbios, lo que los inspiró a hacer un cover de la canción en su álbum debut, en un estilo que llamaron «‘reggae punk’, no ‘reggae blanco'».
• Es el primer ejemplo de The Clash incorporando reggae a su repertorio, algo que se puede escuchar luego en canciones originales como «White Man in Hammersmith Palais» y «Guns of Brixton».

«48 HOURS»: Mick Jones bromeó en el documental «Westway to the World» diciendo que «48 Hours» sólo tardó unos 24 minutos en escribirse. Obviamente, fue un comentario irónico, pero es cierto que muchas canciones del álbum debut fueron escritas muy rápidamente y, a juzgar por la simplicidad de la estructura de este tema en particular, este también se compuso en tiempo record.

• Las «48 Horas» del título se refieren a las 48 horas del fin de semana (sábado y domingo) y describen el sentimiento de desesperación de muchos jóvenes por divertirse lo máximo posible en el corto tiempo que precede al lunes y a la jornada laboral. La semana vuelve a llegar, o como se describe en la canción, «la cárcel sobre ruedas”. Líricamente, es posible que Strummer se haya inspirado en el tema de 1966 «Friday On My Mind» de Easybeats, que versionó muchas veces en los 101ers, la banda donde tocaba antes de unirse a The Clash.

• BONUS: Esta fue fue una canción inspiradora para la comunidad punk británica: el popular fanzine 48 Thrills tomó su nombre del estribillo, lo que no sorprende considerando que el editor Adrian Thrills realizó extensas giras con The Clash a lo largo de 1977; más tarde escribiría de forma profesional en la revista NME. La canción también inspiró «Here Comes The Weekend» de Jam y «Hurry Up Harry (Come On)» de Sham 69.

«GARAGELAND»: Su letra se inspiró en una crítica periodística muy específica: una reseña del tercer show en vivo de The Clash en el Screen on the Green en agosto de 1976. El famoso crítico de NME Charles Shaar Murray fue a ver el show y señaló que The Clash eran «el tipo de banda de garaje que debería ser devuelto rápidamente al garaje, preferiblemente con el motor en marcha, lo que sin duda sería una pérdida mayor para sus amigos y familiares que para el rock and roll”. (!). Strummer se tomó este duro comentario muy a pecho, y en muchas entrevistas posteriores criticó ferozmente a los periodistas musicales en general. En 1999 explicó que «Murray dijo que toda nuestra obra de arte era tan pobre que deberíamos ser ejecutados inmediatamente, lo cual es una crítica bastante severa, ¿no? Al menos fue claro. No boludeó con tonterías intelectuales. Dijo lo que quería decir. Pero nosotros también». La mayor ironía es que dos años más tarde, Shaar Murray daría un giro de 180| y declararía que The Clash era «la mejor banda de rock del mundo” (!!).

• La letra no es sólo una celebración de las bandas de garage rock, sino más bien un reflejo triste de cómo la escena punk estaba explotando y las bandas ya no tocaban en pequeñas casas de okupas y garajes; los sellos estaban llegando con contratos para grabar en grandes estudios y dejar de lado la premisa del DIY (do it yourself, hacerlo uno mismo) que construyó el punk rock en primer lugar. Fue la forma en que The Clash reconoció que incluso ellos mismos se están alejando de sus orígenes punk y, a medida que la escena crecía, esta pérdida de las raíces era una consecuencia ineludible.

• Musicalmente, esta canción es muy diferente del punk rock crudo del resto del disco, adoptando un sonido más lento influenciado por Mott the Hoople y presentando una armónica tocada por Jones, así como armonías vocales típicas del pop. Todo esto explica la decisión de colocarlo al final del disco tanto en la versión de Reino Unido como en la de EE.UU. Jones señaló tras el lanzamiento del álbum que tenía que ser la última canción del álbum porque «indicaba hacia dónde nos dirigimos a continuación». The Clash tocó esta canción en vivo por primera vez en marzo de 1977, y permaneció en el setlist de la banda durante el resto de su carrera hasta 1985.

• Según Paul Simonon, la frase del final «¡Quejas! ¡Quejas! ¡Qué vieja corneja!» se inspiró en una anciana que vivía cerca del squat (casa tomada) del 22 de Davies Road en Shepherd’s Bush, West London, donde además de vivir junto a futuras figuras del punk -como Viv Albertine– la banda ensayaba en sus inicios; como se deduce, la mujer se quejaba constantemente del ruido.