Queridos lectores de MADHOUSE, aquí estamos como todos los años para invitarlos a echar un vistazo y ver qué sucedía cinco décadas atrás en ese mundillo que tanto nos apasiona como es la historia de nuestra música preferida. El que les vamos a proponer es un viaje justo hacia la mitad de los años setenta, una década de las más prolíficas en la historia del rock y aledaños. Ese recorte temporal nos va a situar en un lugar de privilegio, porque en 1975 pasaba de todo. La década que nos ocupa vio nacer una cantidad inusitada de géneros y tendencias, y en esa mitad de decenio que vamos a repasar hubo consolidación de estilos que eran hijos de la primera mitad del mismo, mientras que nuevas propuestas empezarían a asomar la cabeza como emergente de corrientes que estaban fermentando a las sombras de los dinosaurios de la época. Les proponemos entonces sacar el Winco de la baulera, limpiarle el polvo y posar la púa sobre lo más granado de la producción musical de un año inolvidable… ¡Abróchense el cinturón que le ponemos primera al DeLorean y arrancamos!

1) BOB DYLAN – ”Blood On The Tracks” (Enero 20). Es considerado por muchos el trabajo más importante de Robert Zimmerman, (a) Bob Dylan en los años setenta, el cual como ocurre con tantas obras en el campo del arte, fue producto de una historia de desamor y ruptura. Específicamente el fin de la relación del cantante con Sara Lownds es el hilo que atraviesa el contenido lírico y el tono del álbum. “You Gonna Make Lonesome When You Go” o “If You See Her, Say Hello” son títulos que hablan por sí solos al respecto. Pero en lo  profesional, “Blood…” significó el revés de lo que ocurría con su vida personal: Dylan volvía a trabajar con el sello Columbia luego de un breve paso por Asylum Records. A veces el dolor es la mejor de las musas y este es un ejemplo contundente.

2) KANSAS – “Song For America« (Febrero 1) Le toca el turno ahora al segundo disco de Kansas, unas de las pocas bandas norteamericanas que recogió el guante del rock progresivo que venía de Europa pero poniéndole su toque “americano” (algo de country en el violín de Robbie Steinhardt y temas más próximos al formato canción y con estribillos gancheros). Si bien llegó a recibir la certificación de disco de oro, a Kansas le llevaría un par de álbumes más alcanzar el estrellato. La razón claramente es que si bien el nivel de las ediciones de la banda liderada por Steve Walsh siempre fue alto, las mismas carecían de mega hits como serían en poco tiempo temas como “Carry On Wayward Son” o la balada “Dust In The Wind”.

3) NEU!- “Neu! ‘75” (Febrero 1). El krautrock vino a ser al rock progresivo lo que en términos cinematográficos el spaghetti western fue al western hollywoodense: una variante o expresión local de un género exportado de otras tierras. A diferencia de sus pares ingleses, los proggies germanos llevaban la audacia y el espíritu de experimentación del estilo unos pasos más allá. Sin embargo, en este auto titulado y fechado álbum, los Neu! incorporan mayores capas de sintetizadores, haciendo su propuesta más accesible. En temas como “Hero”, la banda suena muy próxima al space rock a lo Hawkwind, pero con un toque punki en las voces. Neu! estaba herido de muerte por ese entonces. El dúo formado por Michael Rother y Klaus Dinger se disolvería tras la salida de este álbum, para reunirse nuevamente recién a mediados de los 80.

4) RUSH –Fly By Night” (Febrero 14). Estamos ante un título que debe su relevancia a dos cuestiones bien puntuales que marcarían el sendero musical que el trío canadiense recorrería a partir de entonces. En primer lugar, marca el ingreso a la banda de nada menos que Neil Peart, en reemplazo de John Rusty. Peart pronto dejaría en claro que no sólo era un increíble baterista sino también una pluma inspirada haciéndose cargo de todas las letras y la orientación temática de los trabajos del Rush. Además, en “Fly By Night” los canadienses empezaron a incorporar al hard rock zeppelinesco de su álbum debut, nuevos ingredientes para orientar la nave hacia las costas del prog rock.

5) JOHN LENNON – “Rock’n’Roll” (Febrero 17). Estamos ante un disco que representa un momento turbulento en la vida de Lennon, el así llamado “Lost Weekend”, período en el que el ex Beatle se aleja de Yoko Ono para internarse en una vida de excesos junto a May Pang, su nueva amante. Estos desbordes afectaron también el plano musical: “Rock’n’Roll”, lejos de ser hijo de la motivación artística de su creador, fue producto de supuestas malas acciones de Lennon. El empresario Morris Levy había iniciado acciones legales por una supuesta infracción de derechos en la canción “Come Together”, y parte del arreglo al que llegaron las partes es que John es su próximo trabajo debía incluir tres canciones con la autoría de Levy.  Lennon decidió entonces tributar a sus ídolos haciendo versiones de esos rockanroles que de pibe lo llevaron a agarrar una guitarra. Así desfilan por su garganta y manos temas de nombres como Chuck Berry, Fats Domino o Gene Vincent. Aún hoy “Rock’n’Roll”, sigue siendo señalado por muchos como el disco maldito de su autor, pero quizás ahí esté la razón de su encanto.

6) STATUS QUO- “On The Level” (Febrero 21). ¿Tenés que dar un ejemplo de en qué consiste tocar rock & roll sencillo, directo y cuadrado? De tu boca debería surgir el nombre de Status Quo sin siquiera meditarlo. Esta banda británica ya contaba con una trayectoria considerable al momento de lanzarse “On The Level”, trabajo que alcanzaría el primer puesto del ranking en UK, siendo éste uno de los títulos más exitosos del cuarteto, en parte gracias a la repercusión del sencillo “Down, Down”.

7) ALICE COOPER – “Welcome to My Nightmare” (Febrero 28) Para su primer disco solista, Vincent Fournier decidió contar otra vez con Bob Ezrin en la producción, quien fue su mano derecha también cuando Alice Cooper era una banda. Ezrin a su vez se trajo consigo para este proyecto a los músicos de la banda de otro conocido suyo: un tal Lou Reed. Es así que Dick Wagner y Steven Hunter se lucen en todo el disco conformando una dupla de guitarras ajustada y versátil. Alice por su lado, pocas veces estuvo tan teatral en uno de sus discos, aportando todos sus matices histriónicos para narrar los afiebrados sueños de Steven, el pibe dueño de las pesadillas del título. En el tema “Black Widow” (el más pesado del disco), hace una aparición estelar el gran actor hollywoodense Vincent Price, aportando su maravillosa dicción en un recitado escalofriante.

8) DAVID BOWIE – «Young Americans» (Marzo 7) Para su noveno trabajo discográfico, Don David decidió dejar atrás el sonido glam del que se había convertido en referencia obligada para incursionar en el soul y el rhythm and blues. Ese cambio hacia los ritmos de raíz negra le salió a Bowie muy pero muy redondo. “Young Americans” es uno de los puntos altos en la carrera del vocalista, siendo “Fame” uno de los más grandes clásicos que dejó el cantante inglés como legado. El productor Tony Visconti y el guitarrista Carlos Alomar hacen en este disco su primera de varias e importantes colaboraciones junto al Duque Blanco.

9) TANGERINE DREAM –Rubycon” (Marzo 21) Estos alemanes arrancaron su carrera dentro del llamado krautrock, término que denomina a una tendencia que agrupaba a las movidas más experimentales dentro del rock germano. En ese momento de su carrera, el grupo estaba más orientado hacia un sonido ambient, una etapa previa al giro electrónico que darían años más tarde. Con apenas dos largos temas poblando este trabajo complejo, el mismo alude en su título al episodio histórico en el cual el mítico Julio César cruzó el río Rubicón, desencadenando una guerra civil en la antigua Roma, luego de lanzar su frase célebre “alea jacta est” (la suerte está echada), famosa sentencia del emperador que los lectores de Asterix deben tener muy presente.

10) IAN HUNTER – “Ian Hunter” (Marzo 28). Disueltos los Mott The Hopple un año antes, a su principal figura le tocó el turno de debutar como solista. Para tal fin reclutó como colaborador principal al guitarrista Mick Ronson, quien formara parte de Spiders From Mars, la banda de acompañamiento de Bowie. La placa se inicia con el hit del disco, “Once Bitten, Twice Shy”, seguido por composiciones que aún arrastran la atmósfera glam de la banda madre de Hunter; la presencia de Ronson, otro que venía de ese palo, se hace notoria en ese sentido. No obstante sus intentos, como solista Hunter no alcanzó ni por asomo la repercusión que sí tuvo con Mott The Hopple, banda fundamental del glam inglés.

11) JEFF BECK – “Blow By Blow” (Marzo 29). Si algo se puede decir de Jeff Beck es que además de haber sido un notable ejecutante, también fue un intérprete curioso que abordó distintos géneros buscando huir de los encasillamientos. En este caso estamos ante el primer gran cambio de orientación musical dentro de su trayectoria, soltándole la mano al blues y el hard rock que dominaron los primeros años de su carrera solista post The Yardbirds, para inclinarse hacía la fusión y el jazz rock. Es indudable que el trabajo de colegas como John McLaughlin y su Mahavishnu Orchestra no le habían resultado indiferente. Curiosamente, pese a tratarse de un álbum enteramente instrumental y complejo en su propuesta, el disco se ubicó dentro del top 40 estadounidense. Producido por George Martin y con un puñado de temas firmados por plumas ilustres como las de Lennon, McCartney y Stevie Wonder, “Blow By Blow” sigue estando entre los trabajos más destacados en la discografía del extinto guitarrista.

12) BAD COMPANY – ” Straighter Shooter” (Abril 2). El desempeño de Paul Rodgers como vocalista de Free lo hizo acreedor de un importante prestigio. Ritchie Blackmore lo quiso para Deep Purple después de la salida de Ian Gillan -ante la negativa de Rodgers, el grupo eligió a David Coverdale, un colega que le copiaba todos los yeites- y Jimmy Page de Led Zeppelin siempre le profesó admiración; incluso fue el responsable de que Bad Company, el nuevo proyecto de Rodgers tras la disolución de Free, fichara para Swang Song, el sello que habían fundado los Zeppelin. A su manera, Bad Company era un supergrupo: Rodgers y Simon Kirke (batería) venían de Free, el bajista Boz Burrell de King Crimson y el violero Mick Ralphs llegó de Mott The Hoople. Musicalmente, la banda hacía un hard rock más “amable” y comercial que Free, lo que les hizo tener sus quince minutos de gloria gracias a las buenas ventas de sus lanzamientos.

13) NAZARETH-”Hair Of The Dog» (Abril 3) Si bien estos escoceses no fueron muy populares en nuestro país, en el contexto internacional de la época fueron muy influyentes (pregúntenle si no a Axl Rose). El hard rock directo y con estribillos abrasivos tienen en este disco probablemente la mejor versión de la banda que haya existido; de hecho, el tema que da nombre a la placa se convirtió en todo un clásico de su tiempo. Una recomendación: si sos fan del AC/DC era Brian Johnson deberías escuchar el timbre vocal de Dan McCafferty y sacar tus propias conclusiones.

14) AEROSMITH – «Toys In The Attic» (Abril 8). Tras dos vinilos que no llegaban a redondear todo lo bueno que la banda insinuaba, con este tercer álbum se terminó de consolidar el sonido y la propuesta del quinteto de Boston. Sobresalen los megaclásicos “Sweet Emotion” y “Walk This Way”, pero el resto del material está a la altura, redondeando el trabajo más parejo de Aerosmith hasta esa fecha. Sostenidos por la base de los infalibles Hamilton-Whiteford-Kramer, los mellizos tóxicos Tyler-Perry brillan en cada surco, anticipando el desempeño de una dupla que había llegado para hacer historia.

15) ZZ TOP – “Fandango!” (Abril 18). Para su cuarto álbum, el trío que mejor supo escaparle a la Prestobarba se propuso presentarlo en un formato que combinara la performance en vivo con material de estudio. El primer lado (cuando los discos eran de vinilo y tenían lado A y B, querido millenial, de eso estoy hablando) registra un puñado de canciones grabadas en un show en The Warehouse de New Orleans, mientras que el segundo lo conforman nuevas canciones entre las que se cuenta “Tush”, uno de los grandes hits de los tejanos. Rock sureño y blues del mejor y en estado puro, en eso consisten los breves 32 minutos que dura “Fandango”, trabajo al que se le podría achacar el evidente contraste entre ambos lados: es muy superior el registrado en vivo, el cual recoge la fuerza y excitación que transmitían los tejanos sobre las tablas y que -por aquel entonces- se diluía un tanto a la hora de entrar al estudio.

16) INVISIBLE- “Durazno Sangrando” (Mayo 7). El recordado Luis Alberto Spinetta siempre fue sinónimo de integridad y búsqueda artística. Tras la disolución de Pescado Rabioso, El Flaco convocó a los ex Pappo’s Blues Machi Rufino (bajo) y Pomo Lorenzo (batería) –El Carpo diría repetidas veces que Spinetta le robaba a sus músicos, como previamente había ocurrido en Pescado con Black Amaya y David Lebón-, para formar Invisible. ¿Cuál era la novedad sonora de Invisible? Pues no es otra que la influencia del prog y el jazz rock, dos tendencias que coparon la atención de esos mediados de década. Con apenas cinco temas, este segundo trabajo del trío consiste en una obra conceptual influenciada por las lecturas eruditas de Spinetta, en este caso las del libro “El Secreto De La Flor De Oro” del psicólogo Carl Jung. y sus conceptos sobre el ánimus y ánima, como también lo hiciera años más tarde Tool en su álbum “Aenima”.

17) HAWKWIND – “Warrior On The Edge Of Time” (Mayo 9). Estamos ni más ni menos que en la antesala de la expulsión de Lemmy Kilmister de Hawkwind. Sucedió que al poco tiempo del lanzamiento del disco, un incidente relacionado con las drogas durante una gira por Canadá -posesión de anfetaminas, para ser precisos- marcó el fin de la presencia de Dios en la banda. Un año más tarde, Kilmister formaría Motörhead, nombre que tomaría prestado de una canción incluida en este disco, a la cual además le pone su voz. “Warrior…” significó un volantazo de parte de la banda, llevando su rock espacial lisérgico y garagero a una vena mucho más trabajada y progresiva. Además, la placa tiene su pata literaria, con el escritor de ciencia ficción Michael Moorcock colaborando en las letras y la historia que aquí se narra.

18) ELTON JOHN – “Captain Fantastic & The Brown Dirt Cowboy” (Mayo 23) El amigo Elton John estaba en la cresta de la ola en 1975, lanzando discos que trepaban directo al número uno y fastuosos shows con mucho brillo, mucha pompa y con muchas butacas vendidas.”Captain Fantastic…” es ni más ni menos que El Rey del Pop contando los inicios -duros, como todo inicio- de su vida artística en un disco conceptual sostenido por baladas sensibles y pegajosas canciones pop, las armas a las que apeló siempre Sir Elton para convertirse en leyenda.

19) PAUL MC CARTNEY & WINGS- “Venus & Mars” (Mayo 27). Si en “Band On The Run” Wings era un trío, con Linda Mc Cartney y Denny Leine como laderos, para el álbum que nos ocupa se sumaron Geoff Britton en batería y Jimmy McCulloch en guitarra principal y voces. La química entre estos fue pésima y Britton se fue antes de terminar de grabar sus partes. Pese a la inestabilidad interna, Macca logró en “Venus…” plasmar uno de sus mejores trabajos en solitario en un sentido tanto artístico como comercial. Si bien por separado los Fab 4 nunca pudieron revivir la magia de la que eran capaces juntos, en esta placa Paul McCartney ya se perfilaba como aquel capaz de sostener una carrera pareja y fértil en términos artísticos.

20) EL RELOJ -”El Reloj” (Junio 1) El epónimo debut de El Reloj comienza con “Obertura”, una enigmática e inquietante intro instrumental que da paso a “Don Serafín”, una presentación en sociedad del grupo que dejaba entrever que aportaba un sonido inédito dentro de la escena criolla, con una propuesta que combinaba un hard rock a lo Deep Purple con aires mucho más progresivos que la banda inglesa. Pioneros del metal argento, las figuras sobresalientes de El Reloj -una banda que tuvo múltiples encarnaciones- eran los ya fallecidos Willy Gardi (guitarra) y Locomotora Espósito, uno de los primeros bateros en usar doble bombo en Argentina. La banda tuvo su momento de gloria en sus primeros años de vida, y luego, sin tanto protagonismo pero con una vida longeva, fueron referencia e influencia para muchos de sus colegas. ”Alguien Más En Quien Confiar”, incluído en este álbum debut, es todo un clásico de nuestro rock pesado.

21) EAGLES – “One Of These Nights” (Junio 10). Estamos ante el disco que consagró a Eagles como una banda gigante en EE.UU. pero que curiosamente en Argentina jamás tuvo mucho predicamento. Hay que decir de todos modos que si bien tuvieron reconocimiento internacional, Eagles siempre fue una banda muy “americana”. Tan grande fue el impacto del álbum que sus tres singles “One Of These Nights”, “Take It To The Limit” y “Lyin Eyes” se metieron en el Top 10 estadounidense, y de hecho gracias a “Lyin…” se hicieron acreedores del primer Grammy de su carrera. Pocas veces los conducidos por Don Felder sonaron tan ajustados como en este trabajo, que sobresale por el exquisito manejo de las armonías vocales.

22) FRANK ZAPPA – «One Size Fits All» (Junio 25) Como señalara un crítico estadounidense refiriéndose a este álbum “uno nunca sabe si Zappa, en discos así, se está riendo con vos o se está riendo de vos”. Frank ( en este caso Zappa, no Blumetti) fue un creador que además de poseer un talento singular era por demás hiperactivo. Así es como en el 1975 que nos tiene en vela, no contento con grabar con Captain Beefheart, se hizo tiempo para armar su propio álbum. Estamos ante una placa algo más orientada hacia la canción, lo que en parte explica la presencia de algunos títulos icónicos (N.: este adjetivo hará las delicias de mis compañeros de staff en MADHOUSE), como “Inca Road”, “Sofa” o “Andy”. “One Size Fits All” es de escucha imprescindible si sos fan o querés acercarte a la vasta obra del hombre del mostacho.

23) FLEETWOOD MAC – “Fleetwood Mac” (Julio 11) El derrotero de esta agrupación seguramente es uno de las más sorprendentes en la historia de la música moderna. Formados en los 60s, fueron referentes de la movida de blues blanco inglés con Peter Green como líder, discípulo este de John Mayall, todo un prócer al respecto. Cuando en 1974 las crisis internas hicieron que ese Fleetwood Mac se derrumbara como una casa de naipes, comenzó lo que sería una era de reconstrucción. Un año después, el grupo volvió siendo una banda totalmente distinta, con los ingresos del guitarrista Lindsey Buckingham y la cantante Stevie Nicks. Los cambios se extendieron a lo musical: atrás quedó el pasado blusero, ahora eran una agrupación de pop californiano. El éxito del autotitulado álbum del nuevo Fleetwood Mac fue contundente, transformándose en séptuple disco de platino.

24) BLACK SABBATH – “Sabotage” (Julio 28). La sexta placa de estudio del cuarteto de Birmingham fue una continuación de la etapa más experimental de los años dorados del cuarteto inaugurada por su antecesor, el genial “Sabbath Bloody Sabbath”. Otra vez contamos con el agregado de teclados como detalle novedoso en el sonido de la banda -en esta ocasión no estuvo Rick Wakeman a cargo de los mismos siendo reemplazado por Gerard Woodruffe-, pese a lo cual los Sabbath seguían siendo capaces de engendrar mazazos sonoros como “Symptom Of The Universe”, una canción casi proto-thrash metal. Señalado a menudo como uno de los trabajos vocales más destacados de Ozzy Osbourne, la histriónica y demente performance del vocalista tiene su momento central en el tema “Am I Going Insane”, una pieza atípica dentro del repertorio del grupo, por ser más accesible y pensada para su difusión radial.

25) RAINBOW- “Ritchie Blackmore’s Rainbow” (Agosto 4). El célebre guitarrista Ritchie Blackmore no se bancó que David Coverdale y Glenn Hughes le coparan la parada en Deep Purple, y tras la edición del muy funky y soulero “Stormbringer”, pegó el portazo y se fue del grupo a hacer su vida. Para su nuevo proyecto -pensado en plan solista en principio, para luego pasar a ser Rainbow a secas- decidió reclutar a los miembros de Elf, banda que venía siendo soporte de Purple y que contaba entre sus filas a un vocalista que haría historia: Ronnie James Dio. Siendo el capitán absoluto del barco, esta vez Ritchie pudo ahondar su gusto por Bach o Paganini, plantando la semilla de lo que luego sería el metal clásico en lo musical, y del power metal en la épica de su lírica.

26) ROD STEWART – ”Atlantic Crossing” (Agosto 15) Lanzado en la segunda mitad del año que nos ocupa, el sexto disco de Rod Stewart lo encontraría, tal como su título lo indica, cruzando el Atlántico para instalarse en Los Ángeles. ¿El motivo? Hasta ese entonces el cantante venía desarrollando una carrera con dos frentes abiertos; uno como vocalista de The Faces, el otro su carrera como solista. Al aceptar el guitarrista Ron Wood el puesto que había dejado vacante Mick Taylor en The Rolling Stones, The Faces se disolvería, dejando a Rod libre para desarrollar a sus anchas su propio proyecto. La placa contiene el super hit “Sailing” y la misma representa un abandono del soul y el folk que predominaba en sus trabajos anteriores para orientarse con más decisión hacia el pop y el soft rock. 

27) BRUCE SPRINGSTEEN – “Born To Run” (Agosto 25). No había caso, The Boss no la pegaba. Sus dos lanzamientos previos habían tenido pobres ventas y la situación se había vuelto apremiante. Pero con éste, su tercer trabajo, el Increíble Hombre Bruce finalmente se metió en el mainstream de la industria para no salir más de ahí. De la mano de dos singles como el que le da nombre a la placa y “Tenth Avenue Freeze-Out”, el ranking de Billboard vió trepar al álbum hasta el tercer puesto: la leyenda de New Jersey finalmente había pegado el gran salto a la fama.

28) DONNA SUMMER – “Love To Love You Baby” (Agosto 27). Si hubo una reina del disco, sin dudas fue Donna Summer, aunque pocos saben que es sus inicios arrancó siendo una cantante de pop y folk. El disparador del mega estrellato de La Pantera de Boston fue justamente el tema que da nombre a este álbum, el cual empezó a rodar primero en Europa pero como simple. Neil Bogart, el presidente de Casablanca Records (si este nombre les suena, era el mismo sello de Kiss en sus comienzos) vio el potencial de la canción y le pidió al superproductor Giorgio Moroder que arreglara y regrabara una nueva y extensa versión de 17 minutos que, literalmente, la rompió… ¿El motivo? Donna alterna sus partes vocales con gemidos varios, simulando un orgasmo (!). El otro gancho era que la canción traía un sonido totalmente nuevo como fue la disco music, sobresaliendo por sobre el resto del material, más enrolado en el soul o el rythm & blues.

29) ELO -”Face The Music” (Septiembre 1) Tras la temprana partida de Roy Wood tres años antes, Jeff Lynne se había convertido en el factotum absoluto de la ELO. “Face The Music” presenta las características voces del grupo a lo Beatle y la presencia  de cuerdas a lo George Martin, pero con una propuesta más accesible y refrescante dentro de los parámetros musicales en los que venían incursionando. Esto último derivó en que las canciones “Evil Woman” y “ Strange Magic” se convirtieran en dos hitazos a ambos lados del Atlántico, haciendo de “Face…” uno de sus lanzamientos más vendidos dentro de la larga carrera de la banda.

30) TED NUGENT – “Ted Nugent” (Septiembre 1). El epónimo disco debut del Tío Nugent vió la luz en el año que nos ocupa luego de su partida de The Amboy Dukes. Como la mayoría de los artistas que sentaron las bases de los géneros más duros de la escena yankee (MC5, The Stooges, Alice Cooper), el blondo guitarrista provenía de Detroit, “la ciudad del rock”. El disco abre con “Strangehold”, una larga demostración de ocho minutos del poder de fuego de Nugent y su guitarra. Como primera entrega, la placa muestra ser pareja, con varios clásicos que integrarían los setlists en vivo dentro de la larga carrera de su autor. “Stormtroopin”, “Just What The Doctor Order” y “Motor City Madhouse”, son sólo algunos ejemplos de lo dicho. Nugent se convertiría con los años un baluarte del rock & roll americano, amén de un personaje polémico por sus controvertidas posturas extra musicales.

31) BUDGIE – «Bandolier» (Septiembre 5). Si de proto metal hablamos, es imposible no nombrar a Budgie, banda que fue más un grupo de culto que un nombre fuerte en la escena del hard rock y que años más tarde sería reivindicada por diversas figuras, desde Ricardo Iorio (fan confeso) hasta Metallica (que grabaron covers de los temas “Breadfan” y “Crash Course In Brain Surgery”) pasando por Iron Maiden (hicieron su propia versión de “I Can’t See My Feelings”). En lo musical, Budgie era un power trío con un sonido cuya estructura e intensidad los convirtió en referentes para movidas ulteriores como la New Wave Of British Heavy Metal, aunque en “Bandolier” suavizaron un poco su propuesta, sonando por momentos como una banda más convencional.

32) JETHRO TULL – ”Minstrel In The Gallery” (Septiembre 5). Combinar con maestría el folk con el hard rock y el prog rock (aunque Ian Anderson renegara un poco de esta última etiqueta, satirizando al género y sus clichés en el imponente “Thick As A Brick”) fue siempre la receta magistral de Jethro Tull. Visto por muchos como un regreso a discos como “Aqualung”, en esta oportunidad se vuelven a intercalar a lo largo de los surcos del álbum extensísimas composiciones como “Baker St Muse” o la que da título a la placa, con otras muy breves en su duración. El dato: Steven Wilson -cuándo no- remezcló el disco con motivo de su 40 aniversario en 2015.

33) KISS- “Alive” (Septiembre 10). Estamos ni más ni menos que ante la piedra fundacional sobre la que se cimentó la Kissmanía. El arranque de la carrera del cuarteto enmascarado había sido difícil, con tres álbumes con grandes canciones pero que ni sonaban bien ni lograban pegar en la gente. Pensado como un último manotazo de ahogado, para este trabajo el manager Bill Aucoin reclutó al prestigioso productor e ingeniero de sonido Eddie Kramer (Zeppelin, Hendrix, Humble Pie) para grabar un disco en vivo que reflejara las incendiarias presentaciones de la banda. Los resultados superaron todas las expectativas y Paul, Peter, Ace y Gene plasmaron (con gran ayuda de Kramer en el estudio) un disco doble de rock & roll simple, ganchero, directo y potente que refleja fidedignamente -y como ningún otro- la esencia musical de «la banda más caliente del mundo».

34) PINK FLOYD – “Wish You Were Here” (Septiembre 12). Tener que grabar un disco que sea el sucesor de uno de los títulos más vendidos de la historia como “Dark Side Of The Moon” parece a priori una tarea titánica. Pero Floyd venía dulce en términos de inspiración y logró sortear tan magna empresa con creces. Otra vez inspiradísimo, el cuarteto supo volver a convocar a sus mejores musas para concebir un álbum con un filo más oscuro que su antecesor, aportando clásicos indelebles de su repertorio como las fantásticas dos partes de “Shine On You Crazy Diamond” (dedicada a Syd Barret) o la melancólica balada que le da nombre a la placa. Dato de color: Syd Barret se apareció por el estudio Abbey Road durante las sesiones de grabación del disco, siendo esta la última vez que Roger Waters y cía, verían a su ex compañero.

35) THIN LIZZY- “Fighting” (Septiembre 12) Thin Lizzy pegaría el gran salto recién un año después con “Jailbreak”, su disco más celebrado, aunque “Fighting” es un poco la antesala de ese clásico de los 70, en el cual Lynott y los suyos empiezan a sacarle punta al lápiz con mejores composiciones y el dúo de guitarras Scott GorhamBrian Robertson a lucir más inspirado. Hay un puñado de temas que serían obligatorios en el repertorio en vivo de la banda como “Suicide” o el cover de Bob Seger,“Rosalie”. El datito: como invitado en el disco aparece el tecladista Ian McLagan de The Faces.

36) FOGHAT – “Fool For The City”(Septiembre 15) Hubo que esperar cinco álbumes, pero Foghat finalmente lo logró. “Fool…” les dio su primera certificación de disco de platino, en gran parte gracias al clásico hitazo “Slow Ride”. Los ingleses combinaban con sapiencia el hard rock con cierto groove funky y dosis profusas de blues, aportadas por las versiones de “Terraple Blues” de Robert Johnson y “My Babe” de Willie Dixon. Sobresale, justo es destacarlo, el trabajo del tándem de guitarras formado por Rod Price y Dave Peverett.

37) SCORPIONS – “In Trance” (Septiembre 17) Estamos ante un LP cuyo título es totalmente autorreferencial. En efecto, los alemanes buscaron en la figura del productor Dieter Dierks al guía que los llevara a simplificar su propuesta dejando atrás cierto aire psicodélico que habían tenido los dos primeros trabajos de la banda. A pesar de presentar temas más cortos y pegadizos, este Scorpions aún conservaba cierto acento europeo y estaba lejos aún de su “americanización” en cuanto a sonido que la banda experimentó en los 80s, en la cual se centraron en la composición de un hit tras otro.

38) SUI GENERIS – “Adiós Sui Generis” (Octubre 1). Estamos ante un título que tuvo un doble formato. “Adios Sui Generis” fue una despedida del público que la banda decidió retratar en un documental dirigido por Bebe Kamin, que tuvo además su edición en vinilo. Charly García y Nito Mestre se habían convertido en un fenómeno masivo casi inédito en su alcance para el rock argentino, y tanto la película como el álbum son un documento de las dos fechas del adiós que el dúo armó en septiembre de 1975 en el Luna Park ante 30.000 fans. El disco funciona también como una recopilación de sus canciones de mayor impacto. Dato de color: en el documental aparece en un primerísimo plano un joven Ruso Verea, tarareando alguno de los himnos de Charly (que en el disco figura como «Charlie») y Nito.

39) FRANK ZAPPA AND CAPTAIN BEEFHEART – “Bongo Fury” (Octubre 2). Don Val Vliet, más conocido como Captain Beefheart, fue un músico y pintor inglés que por lo excéntrico de su propuesta concentró la atención de nada menos que Frank Zappa quien operó como una especie de mecenas en la carrera de Vliet. Dentro de las muchas colaboraciones que hicieron juntos se encuentra este “Bongo Fury”, álbum grabado en vivo en Texas -hay dos temas registrados en estudio también- junto a The Mothers Of Invention (la banda de Zappa) que trae consigo la inefable muestra de delirio, sarcasmo y complejidad interpretativa que es previsible esperar de parte de sus protagonistas.

40) THE WHO – «The Who By Numbers» (Octubre 3). Con Pete Townsend entrando en su tercera década de vida, sus composiciones reflejan cierta idea de sentirse viejo para el rock y el cambio de intereses e inquietudes que trae aparejado alcanzar la madurez. La vara había quedado muy alta para el cuarteto inglés luego de la edición de una obra maestra como “Quadrophenia”, de modo que “The Who By Numbers” terminó siendo un disco más en la discografía de la banda, la cual a partir de este álbum iniciaría una etapa de declive.

41) ROXY MUSIC – “Siren” (Octubre 24) El quinto álbum de Roxy Music marca el fin de la etapa glam de la agrupación que tan bien reflejaban títulos de discos como “Stranded” y “Country Life”, virando hacia un pop más elegante centrado en la figura de Bryan Ferry y mucho más accesible. Brilla como siempre Phil Manzanera en la guitarra, aportando la pata fuerte musical necesaria para acompañar el carisma de un líder como Ferry, rol que se vio incrementado tras la partida de Brian Eno del grupo un par de años antes. La placa abre con “Love Is A Drug”, quizás su mayor hit, lo que muestra que Roxy Music supo enfocarse en su objetivo.

42) DEEP PURPLE- “Come Taste The Band” (Noviembre 7). Único trabajo del efímero Mark IV de Purple,  previo a la separación de la banda que se extendería por unos cuantos años, y que generó una diáspora de ex integrantes que darían a luz otros proyectos de alto nivel artístico. El quinteto inglés venía sufriendo deserciones en los últimos años con respecto a lo que fue el mítico Mark II, las cuales se llevaron puestos a figuras como Gillan, Glover y aquí también a Blackmore. En su reemplazo ingresó Tommy Bolin, un intérprete talentoso pero muy diferente estilisticamente al Hombre de Negro, lo que provocó que cierto núcleo duro de fans frunciera el ceño al escuchar los resultados finales. Con Hughes y Coverdale como nuevos dueños de la dirección músical del grupo- algo más accesible, por cierto-, “Come Taste…” es un disco raro dentro de la discografía purpliana, pero que aún así nos regala algunas gemas comoKeep On Moving” o “Getting Tighter”, ambas cantadas por el enorme Glenn Hughes.

43) PATTI SMITH -”Horses” (Noviembre 10). Álbum debut de la talentosa cantante y poetisa neoyorkina que sería inspiración obligada de la escena de punk rock que surgiría en la Costa Este de los EE.UU. al poco tiempo. No obstante, es justo decir que en este “Horses”, grabado en los famosos estudios neoyorquinos Electric Ladyland (creado por el mismísimo Jimi Hendrix), Doña Patti también muestra su costado jazzero y su amor por viejas glorias rockeras de los 70. El detalle clave: a cargo de la producción del álbum estuvo John Cale (fundador de The Velvet Underground), quien supo capturar la esencia primitiva de la Smith como ningún otro.

44) SUPERTRAMP – “Crisis? What Crisis?» (Noviembre 10) El título puede parecer un mensaje negacionista de un votante de LLA, pero no. Estamos ante esos casos en los cuales un artista reniega de su propia obra. La banda venía de pegarla con su anterior “Crime Of The Century”(1974) y la discográfica, ansiosa por capitalizar el buen momento de Supertramp, los presionó para que prepararan un nuevo lanzamiento lo antes posible. Así es como “Crisis…” fue hecho a las apuradas, y buena parte de su material son sobrantes de su antecesor. Con todo, el disco obtuvo la respuesta esperada y afianzó a los británicos Supertramp en su condición de estrellas.

45) PASTORAL – «En El Hospicio» (Noviembre 14). El dúo integrado por Alejandro De Michelis y Miguel Eurasquín había logrado llamar la atención con su folk con toques progresivos y letras fuertes con contenido existencialista. Para este segundo álbum la agrupación se granjeó los servicios de una leyenda como Litto Nebbia para hacerse cargo de la producción. La pregunta es:¿la propuesta de bandas como Pastoral envejeció bien? Diría que no, que estos proyectos electroacústicos tan en boga en los lejanos 70s hoy son un tanto engorrosos de escuchar por cierto tufillo naif que sobrevuela el material de la banda, pero en aquel entonces la tendencia era fuerte y tenía predicamento entre las audiencias, como ocurrió con Pastoral, una banda que no pasó desapercibida precisamente para el público argentino. “En El Hospicio” es un disco que pisa fuerte en la discografía del dúo, discografía un tanto breve dada la temprana muerte de De Michelis en un accidente de tránsito.

46) QUEEN – “A Night At The Opera” (Noviembre 21). Si de discos que abren puertas hacia la gloria hablamos , este clásico de clásicos es una referencia obligada. Tomando prestado el título de un film de Los Hermanos Marx -idea que se repetiría con el siguiente trabajo de la banda, “A Day In The Races”-, y con la sapiente mano de Roy Thomas Baker en la producción, Queen logró darle una cohesión definitiva a todos los elementos esbozados en sus anteriores lanzamientos, que resultaban a veces algo dispersos. Las hoy quemadísimas “Bohemian Rhapsody” y “Love Of My Life” se llevaron la mayoría de las miradas- o de las escuchas-, pero este soberbio trabajo de La Reina guarda gemas a veces ignoradas como la fantástica “The Prophet Song”, otra muestra del virtuosismo vocal del grupo y que sería un sello distintivo de su sonido. (Nota: vean más data de este álbum en este coqueto informe que hicimos en MADHOUSE).

47) PAPPO´S BLUES- “Pappo’s Blues 6” (Noviembre 25). Este sexto volumen del proyecto armado por Norberto Napolitano, encontró a su mentor en su exilio europeo. Con El Carpo lejos de estas pampas, la compañía Music Hall decide recoger sobrantes de “Triángulo”, el anterior disco de Pappo´s Blues, y editar esta sexta entrega, muy breve en su duración (apenas unos 24 minutos y chirolas). Por tratarse de outtakes, prima en esta placa atípica el aire blusero experimental y las zapadas a lo Cream. La formación del trío también lo es, contando Pappo como colaboradores en esta ocasión a Fanta Beaudoux en bajo y Eduardo Garbagnati en batería.

48) AC/DC – “T.N.T” (Diciembre 1) Vamos a aclarar un malentendido : pese a que muchos consideran a “High Voltage” el primer disco de la banda de los hermanos Young, en realidad lo es si nos atenemos al plano internacional. “High Voltage” era en realidad un refrito de los dos primeros discos “australianos” del grupo, de los cuáles “T.N.T” es el segundo en orden de aparición. La idea era tomar lo mejor de ambos discos que no habían trascendido Oceanía y probar en las plazas fuertes del mercado mundial. Es así que encontramos dentro de la lista de temas varias canciones que serían llevadas al setlist de las continuas giras del quinteto, como “The Jack”, “High Voltage” o “Its A Long Way To The Top (If You Wanna Rock ‘n’ Roll)». Crudeza, frescura y claras señales de que desde el culo del mundo se venía algo fuerte para quedarse y hacer historia son los componentes fundamentales aquí presentes.

49) BOB MARLEY & THE WAILERS – “Live” (Diciembre 5) Grabado en el Teatro Lyceum de Londres, “Live” es un reflejo del estado de gracia en el que se encontraba el jamaiquino, siendo la cara visible de una de las  grandes irrupciones en el panorama musical de la época: el reggae como un ingrediente novedoso y, de su mano, la difusión de la cultura rastafari en los países hegemónicos occidentales. Como ocurriera con el blues una década antes, un ritmo proveniente de la América morena captaría la atención de los rubios anglosajones, influencia que alcanzó también a muchas vacas sagradas del rock inglés. Una tapa que se multiplicó en innumerables remeras y un vinilo cargado de clásicos definen por sí solo al peso de este trabajo en directo del inolvidable Bob Marley.

50) PARLIAMENT – “Mothership Connection” (Diciembre 15) Probablemente este haya sido el disco más importante en la trayectoria de estos auténticos heraldos del funk, ritmo que gozó de una gran popularidad en los turbulentos 70s. Férreamente conducidos por George Clinton, este trabajo fue todo un suceso, siendo el primer álbum del género en alcanzar el millón de placas vendidas logrando el status de platino. Encarado como un álbum conceptual, aquí hicieron su debut en la formación de la banda dos músicos de excepción, el conocido saxofonista Maceo Parker y el trombonista ex James Brown, Fred Wesley. El datito: varios de los títulos que integran “Mothership…” fueron luego sampleados por figuras como Dr. Dree y Snoop Dogg.


Dejar respuesta

Please enter your comment!
Please enter your name here